Archivio

Varvaro Arlecchino siculo

Sun, 12 Jul 2009 21:32:00 GMT

Il volto severo di Modigliani a Palazzo Reale

Wed, 08 Jul 2009 10:41:00 GMT

Fino al 6 luglio 2003 a Palazzo Reale di Milano è stata visibile la mostra "Amedeo Modigliani. L'angelo dal volto severo" a cura di Marc Restellini che a Parigi è stata vista da mezzo milione di visitatori.

Va detto subito che, rispetto all'allestimento parigino, quello milanese ha presentato delle importanti novità espositive, tra cui l'aggiunta al nucleo originario di altre opere di Modigliani e, soprattutto, la sezione dedicata all'ultima compagna dell'artista, la giovanissima Jeanne Hébuterne, pittrice a sua volta, morta suicida a soli 22 anni la notte stessa in cui si spense il trentacinquenne Modigliani. I dipinti della Hébuterne, esposti per la prima volta al mondo, danno della giovanissima compagna di Modigliani l'immagine di una pittrice matura, in grado, anche, di influenzare la creatività del suo geniale amante (e non solo di esserne influenzata). La sezione a lei dedicata, con l'esposizione di disegni e una ventina di dipinti, si configura come una vera e propria mostra nella mostra. Le altre tre sezioni dell'esposizione, dividono la vita artistica di Modigliani, a partire dagli anni parigini, unendola ad altrettanti nomi importanti per la biografia del grande pittore: Paul Alexandre, colui che lo introduce nella Parigi di Picasso, Brancusi, Chagall, Cocteau e gli altri; Paul Guillaume, uno dei massimi esperti di Arte africana dalla quale Modigliani viene influenzato e che persuade Modì ad abbandonare la scultura in favore del disegno e della pittura; e Leopold Zborowski, cui, tra l'altro sono dedicati due dei ritratti più belli di tutta la mostra, che condusse Modì al successo internazionale.
L'intento dichiarato della mostra "Amedeo Modigliani. L'angelo dal volto severo" è quello di «sottrarre la figura di Modigliani a quell'aura di artista "maledetto" che lo ha consegnato alla storia per restituirgli il ruolo che gli spetta nella comunità artistica dei primi del Novecento», ma, nel far questo, spiace dirlo, in un certo modo si sminuisce l'opera di Modì (proprio affermando che essa va rivalutata) e si intristisce il suo lavoro, oltre a negare (per non dire condannare, anche se solo implicitamente) la biografia tormentata del pittore, fatta com'è di un'intensa vita sessuale, di grandi bevute e di assunzioni di droghe.

In «Il Nuovo Giornale di Bergamo», 5 maggio 2003.

Matisse affascinato dalla visione e dal movimento

Thu, 02 Jul 2009 08:47:00 GMT

Fino al 20 settembre 2009 presso il Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid è possibile visitare la mostra dedicata alle opere dipinte da Matisse tra il 1917 e il 1941. In quegli anni l'artista lasciò Parigi per Nizza con l'intento di dedicarsi appieno alla pittura. Ne conseguì l'abbandono da parte di Matisse di quella che lui stesso ebbe a definire “pittura decorativa” a favore di un tipo di espressione più intima, casalinga.
L'esposizione madrilena mette in mostra mostra una serie di ritratti ambientati in interni borghesi, di scene di vita quotidiana, ma anche di donne nude mollemente adagiate su poltrone e divani.
Spicca il fatto che Matisse dipingesse più volte lo stesso soggetto, modificando qualche particolare o mutando di poco il punto di vista, quasi che, con la sua pittura, stesse teorizzando sul concetto di visione.
Che Matisse fosse affascinato dalla visione lo dicono bene tre quadri: Il riflesso (del 1935) nel quale una donna è riflessa in uno specchio, senza che, però, si possa capire quale sia l'immagine riflessa e quale la donna che si specchia; Festival dei fiori a Nizza e Carnevale a Nizza (entrambi del 1921) nei quali due donne affacciate guardano sfilare i manifestanti. In entrambi i dipinti la scena è ripresa di scorcio in modo da privilegiare il punto di vista dello spettatore esterno al quadro (ovvero noi). Entrambi i quadri, poi, mettono anche in luce il fascino esercitato su Matisse dal movimento. Infatti il pittore, per rendere la velocità delle sfilate, decise di non definire i manifestanti, ma suggerirli con veloci pennellate.
In mostra tele provenienti da tutto il mondo.
Da vedere.

La Natura come Armonia

Mon, 22 Jun 2009 15:28:00 GMT

È stata prorogata fino al 13 settembre 2009 la mostra dedicata a Hiroshige (Hiroshige. Il maestro della natura) dal Museo Fondazione Roma di Via del Corso n. 320.
Curata da Gian Carlo Calza, la mostra presenta, per la prima volta in Italia, 200 opere del Maestro Utagawa Hiroshige (1797 – 1858) realizzate con la tecnica della silografia (che dà vita a stampe policrome).
L’arte di Hiroshige influenzò molti artisti europei, tra cui Vincent Van Gogh che riprodusse fedelmente alcune opere del Maestro. Van Gogh ebbe a dire che i giapponesi “vivono nella natura come se loro stessi fossero dei fiori”; e di tale stile di vita, ma, soprattutto della Natura cui i giapponesi guardano con tanto rispetto, Hiroshige fu illustratore sapiente, innovativo (per la “cinematograficità” di certi scorci) e ironico (soprattutto nei confronti della natura umana).
La mostra è sicuramente una delle più belle che chi scrive abbia mai avuto modo di vedere. Bella per la “semplice” bellezza delle opere di Hiroshige (pensate per una fruizione privata e casalinga) che mostrano una Natura ispiratrice di Armonia; bella per la spettacolarità dell’allestimento, opera di Cesare Mari che “immerge” le opere di Hiroshige in un ambiente che ricorda un armonioso e delicato giardino giapponese che ha, al contempo, il pregio di esaltare le opere esposte e di aiutare il visitatore a fruire delle medesime in una maniera in qualche modo vicina a quella per cui erano state pensate.
Molte sono le opere di pregio. Tra queste si segnalano “Luna e oche selvatiche” (del 1836), “Lepri sull’erba sotto la luna” (1830-1839) in bianco e nero, “La luna vista attraverso le foglie d’acero” (1832) e “Yokkaichi. Fiume Mie” (1833-1834).
Una mostra da non mancare assolutamente.

Dalle gambe al corpo

Wed, 17 Jun 2009 21:48:00 GMT

La Catedral per la coreografia e la regia di Luciano Padovani presentato al Teatro Sociale di Bergamo è uno spettacolo di danza che unisce, in modo molto suggestivo, la tecnica del tango con quella della contact dance.
Lo spettacolo inizia con un passo a due di tango, tutto concentrato su un gioco di gambe di disperato erotismo. Prosegue, poi, con l'ingresso di altri due danzatori anche loro impegnati in un passo a due, non più di tango, ma di contact dance: lui regge lei e i due corpi sono uniti oltre che nella danza, anche fisicamente. Il passo a due si apre, infine, agli altri danzatori e i due generi del tango e della contact si uniscono e producono figure nuove e affascinanti.
I sei danzatori conducono le danze passando di volta in volta dalla tecnica moderna al tango, nel disperato tentativo di dare di nuovo vita alla Catedral del titolo: una vecchia e dismessa sala per milonga simboleggiata da vecchi e logori divani (con i quali i ballerini non mancano di interagire).
Alla fine la magia si compie: i sei danzatori lasciano il palco/sala ad anziani ballerini di tango.
Coreografia raffinata, ottimamente realizzata da Silvia Bertoncelli, Marcello Ballonzo, Giannalberto De Filippis, Elena Garis, Luciano Padovani e Luca Zangheri.
Calorosi e meritati applausi al calar del sipario.

Dallo sport alla danza

Sat, 30 May 2009 09:56:00 GMT

Ieri sera, nell'ambito della 21a edizione del Festival Danza Estate, è stato presentato al pubblico bergamasco Play dei Kataklò. Si tratta di uno spettacolo pensato in occasione dei Giochi Olimpici di Pechino ed è un omaggio che i Kataklò rivolgono alle discipline olimpiche.

In rapida successione i danzatori si esibiscono in brevi quadri ognuno dei quali è dedicato a uno sport: il tennis, il nuoto sincronizzato, la box, il calcio, il rugby, la corsa, il bob, il ciclismo, lo sci, la formula1, l'atletica e la vela. Non mancano un quadro iniziale pensato per ricordare i gesti tipici del pubblico sportivo; uno dedicato al podio e quello finale al cerchio olimpico.

Le coreografie di Giulia Staccioli hanno piacevolmente sorpreso il pubblico, in quanto non sono state mai prevedibili. A seconda della disciplina omaggiata, la coreografa ne ha messo in risalto un dato aspetto che, non necessariamente, è quello peculiare alla disciplina.

Se del nuoto sincronizzato ha, ad esempio, sottolineato le figure che le nuotatrici riescono a realizzare con le gambe, costringendo le danzatrici a esibirsi a testa in giù; della box ha “esaltato” il ruolo delle corde del ring facendo esibire proprio loro; mentre del ciclismo ha messo in luce l'aspetto un po' nostalgico della sportività d'altri tempi, quella dei campioni non accecati dall'agonismo.

I quadri, però, sicuramente più suggestivi e coinvolgenti, sono stati quello dedicato alla ginnastica artistica, nel quale tre danzatrici hanno compiuto le loro evoluzioni accompagnate da una grossa palla “magicamente” sospesa per aria; quello in cui del tennis la solista ha messo in rilievo la classe dei movimenti; il quadro dedicato alla scherma in cui i gesti tipici hanno dato vita a un passo a due; quello in cui del rugby i danzatori hanno mimato solo la danza rituale; quello in cui si è ricordata la vela e l'altro in cui si è “riprodotta” la velocità dello sci paradossalmente stando fermi in un punto; quelli acrobatici che riproducevano la corsa e il salto con l'asta e l'ultimo dedicato al cerchio olimpico.

Uno spettacolo magico ottimamente interpretato da tutti i danzatori: Maria Agatiello, Elisa Bazzocchi, Paolo Benedetti, Eleonora Di Vita, Leonardo Fumarola, Serena Rampon, Marco Ticli e Marco Zanotti.

Altro sui Kataklò >>

L'Altra editoria

Tue, 19 May 2009 20:04:00 GMT

Gli audiolibri.

Una Madre Coraggio rap

Wed, 15 Apr 2009 16:43:00 GMT

Madre Coraggio di Bertolt Brecht per la regia di Cristina Pezzoli e l'interpretazione di Isa Danieli è davvero un bellissimo spettacolo.
La regia punta sugli attori e sui meccanismi metateatrali. Per quanto riguarda questi ultimi, la scena unica di Bruno Buonincontri pare determinante: un palcoscenico fortemente, “pericolosamente” inclinato che, all'occorrenza, si solleva (a mo' di ponte levatoio) e diventa sipario. Ai lati del palcoscenico, a vista, le macchine sceniche. Al centro del palco il carro di Madre Coraggio. Sul fondo, un sipario/fondale rattoppato. Nessun altro elemento che possa aiutare il pubblico a determinare il luogo in cui l'azione di svolge: in fondo, pare dire la regista, ogni luogo, in tempo di guerra, è uguale a un altro, fatto com'è di macerie e di nulla.
Agli elementi metateatrali, usati in funzione straniante, si affiancano le musiche di Pasquale Scialò: canzoni assolutamente contemporanee, con tanto di rap, che non solo narrano parti della vicenda, ma, in una in particolare, rimandano alla contemporaneità italiana.
Da notare, anche, l'uso dei dialetti italiani, non con intento folkloristico, ma universalistico: la guerra è una faccenda sporca e dolorosa ovunque e per chiunque.
A dar vita alla vicenda di Madre Coraggio un gruppo di attori molto affiatato capitanati dalla bravissima Isa Danieli, una Madre Coraggio determinata a portare a casa sia la vita dei propri figli (cui non smette di elargire consigli – inascoltati – su come fare a scampare alla morte), sia sufficienti denari per potersi sottrarre alla miseria e dare una dote alla figlia muta. Accanto a Isa Danieli i bravi Alarico Salaroli (il cappellano), Marco Zannoni (il cuoco), Matteo Cremon (il figlio aitante e combattivo), Yang Shi (l'altro figlio maschio di Madre Coraggio) e tutti gli altri interpreti.
Toccante l'ultima sequenza, quella dell'uccisione di Kattrin (l'espressiva Xenia Bevitori): scesa in platea per suonare il tamburo/allarme in modo da avvisare gli abitanti della città, ella viene uccisa e cade morta nella platea stessa. La Madre, in piedi sul proscenio, chiede agli spettatori di portarle la figlia in modo da poterle cantare un'ultima ninna nanna. Alcuni spettatori pietosi, si sono alzati, hanno sollevato l'attrice e l'hanno sistemata davanti alla Madre.
Spettacolo da vedere.

Uniti e separati

Tue, 31 Mar 2009 22:10:00 GMT

Nel 1941, nella Danimarca occupata dai tedeschi, due illustri scienziati, due geni assoluti della fisica teorica, uno mezzo ebreo e l'altro tedesco, si riincontrarono dopo una separazione durata anni. I due, anni prima e per tre anni, erano stati l'uno professore e l'altro assistente in quella fucina di idee che era Copenaghen pre-conflitto bellico. Il professore era Niels Bohr e l'allievo Werner Heisenberg, entrambi insigniti del Premio Nobel per la Fisica (nel 1922 Bohr e dieci anni dopo Heisenberg). Fu, quello del 1941, un incontro comprensibilmente spiato dai servizi segreti, ma, nonostante ciò, nulla si sa per certo di quanto i due amici si dissero e cosa, realmente, spinse l'uno (Heisenberg) a percorrere mezza Europa per incontrare l'altro.
Di certo si sa che entrambi giocarono un ruolo determinante nello studio dell'atomo e della meccanica quantistica (di cui possono essere definiti i padri), nonché nella possibilità di usare concretamente la fissione nucleare (anche per scopi bellici).
In Copenaghen Michael Frayn ipotizza quanto i due scienziati possono essersi detti durante quell'incontro e il perché quel medesimo incontro determinò la fine della loro celebre amicizia. Frayn immagina che i due ex-amici si incontrino di nuovo nell'aldilà per indagare, alla presenza della moglie di Bohr, in profondità le rispettive ragioni. Heisenberg sostenendo la tesi che operò sottobanco per rallentare il programma nazista per la costruzione della bomba atomica e Bohr interrogandolo serratamente. Il testo, però, non dà una risposta univoca: gli stessi protagonisti sembrano, infatti, non sapere esattamente cosa sia davvero avvenuto in quel 1941: in fondo, probabilmente, non erano poi stati così uniti come pensavano di essere. Forse, erano stati separati anche durante il triennio nel quale collaboravano gomito a gomito...
A indossare i panni dei due scienziati i bravissimi Umberto Orsini (Bohr) e Massimo Popolizio (Heisenberg). Con loro una altrettanto brava Giuliana Lojodice (Margrethe Bohr). I tre hanno dato vita a uno spettacolo serrato (firmato da Mauro Avogadro), nel quale la parola è stata protagonista assoluta; parola porta al pubblico con bravura impressionante dai tre attori.
Palpabile la tensione e meritati i caldi e prolungati applausi tributati ai protagonisti dal pubblico del Teatro Donizetti al calar del sipario.

I ricordi di una vita

Tue, 17 Mar 2009 22:57:00 GMT

È una carrellata tra i ricordi lo spettacolo Sillabari che Paolo Poli ha tratto da un testo di Goffredo Parise. Ricordi melanconici di fatti insignificanti che, però, si sono impressi indelebili nella memoria di chi, anni dopo, molti anni dopo, ancora li narra come se fossero successi da poco. Ricordi del tutto personali, ma che hanno il merito di raccontare un pezzo d'Italia: quella piccolo e medio borghese delle governanti, delle giovani studiose e di belle speranze, dei giovanotti che scoprono la vita. Ricordi di tremori d'amore, di rivelazione del corpo, di imbarazzi e di rossori. E dal racconto di questi ricordi, ne esce il ritratto di un'Italia che arrossisce per un bacio sul grande schermo; di un'Italia che fa finta di non capire la natura degli sguardi che si scambiano due giovani seminaristi (poi divenuti preti); che chiama amicizia quella che, in realtà, è stata una storia d'amore.
Paolo Poli racconta tutto con il garbo tipico delle vecchie Signore di una volta: quelle che sottintendevano il lato piccante della vicenda e ne accennavano per allusioni, per poi raccontare tutto per esteso grazie a una mimica facciale e al tono della voce che non lasciava ombra di dubbio. Il pubblico sta al gioco e dà segno di gradire. D'altro canto il travestitismo di Poli è innocuo e innocente e per nulla conturbante: il suo è uno spettacolo queer per borghesi (adatto al pubblico dei teatri), nel quale spetta al testo il ruolo di pungolo e non alla messinscena. Un mix, quello tra un testo pensieroso e una messinscena lieve, giocosa e spensierata che, sulle prime, potrebbe sembrare incongruo, ma che è precisa cifra stilistica.
Bello e semplice l'impianto scenico di Emanuele Luzzati: un fondale dipinto che, con il passare degli anni, riproduce quadri celebri di pittori novecenteschi.
Splendidi i costumi femminili di Santuzza Calì indossati con classe impareggiabile da Paolo Poli.
Spettacolo ben riuscito.