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Il ring borghese: un salotto

Tue, 20 Jan 2009 22:34:00 GMT

La scena aperta mostra due divani rossi padroni di una parte di palco sopraelevata rispetto al resto. Una porzione di palcoscenico che altro non è che il rimando metaforico al ring. Un ring spietato e subdolo perché non dichiarato, perché camuffato da salotto di famiglia borghese.
È all'interno di questo ring che due coppie di coniugi di ritrovano e combattono la loro lotta a suon di sottintesi, di parole scagliate contro l'avversario a mo' di giavellotto, di finti sorrisi e sgarbi reali.
La lotta, pian piano, diventa più serrata, si insinua all'interno di una conversazione salottiera discontinua e senza filo e prende il sopravvento fino a tradurre le parole in azioni. Le “riprese” del combattimento sembrano segnalate dal periodico vibrare di un telefonino o dallo squillare del telefono di casa.
Non si creda che le coppie si fronteggiano l'un contro l'altra armate: non serve molto tempo affinché le alleanze mutino, adeguandosi al filo discontinuo del discorso, o che i quattro contendenti finiscano per lottare ognuno per proprio conto, in una guerra senza quartiere.
Il risultato per lo spettatore di quanto descritto è uno spettacolo dai ritmi serrati e davvero divertente. Si ride molto assistendo al Dio della carneficina di Yasmina Reza per la regia di Roberto Andò. Si ride, forse, perché ci si riconosce; perché lo smascheramento non ci lascia del tutto nudi e indifesi rispetto agli altri, nei quali si possono riconoscere e mettere in piazza altri peccati e difetti.
Lo spettacolo di Andò è tutto affidato a quattro attori di valore che sanno tenere la scena in modo egregio. Innanzitutto vanno ricordati lo strepitoso marito disincantato di Silvio Orlando e la moglie responsabile e impegnata nel sociale di Anna Bonaiuto. A loro fanno da contraltare i coniugi assai bene impersonati da Alessio Boni e Michela Cescon (forse un filo sopra le righe).
Spettacolo da non perdere salutato da un'ovazione dal pubblico bergamasco del Teatro Donizetti.

Parla con lei, ma vai a letto con lui

Sun, 11 Jan 2009 20:14:00 GMT

Innanzitutto, dirò che Parla con lei di Pedro Almodóvar è un film splendido, perfettamente interpretato da Javier Camara (nel ruolo di Benigno), Dario Grandinetti (Marco) e Rosario Flores (Lydia).
Aggiungerò, anche, che sono molti (statisticamente) i film del regista spagnolo che mi sono piaciuti, da quelli più sbarazzini e stravaganti, a quelli più melodrammatici e, a tratti, riflessivi. Quanto basta per dire che Almodóvar è, senz’altro, uno dei miei registi preferiti.
Parla con lei prosegue la linea di Donne sull’orlo di una crisi di nervi e di Tutto su mia madre: quella del prodotto ben confezionato (da Premio Oscar, tanto per intenderci), capace di affascinare e, a volte, commuovere il grande pubblico. Altri film di Almodóvar sono, invece, più pensati per un pubblico “selezionato” (ovvero più facilmente disposto ad identificarsi con i personaggi sopra le righe protagonisti delle storie narrate), che non per il pubblico della domenica. Penso a ottime pellicole come La legge del desiderio, sicuramente destinata – per l’argomento trattato – ad una fetta minore di pubblico.
Ebbene, Parla con lei è un film, a mio avviso, che ha buone possibilità di diventare un cult della storia del cinema (più di qualsiasi altro tra quelli firmati finora da Almodóvar), perché, come direbbe Vito Russo, è un film da Schermo velato: un film dove si narra una storia per il vasto pubblico, ma, tra le righe, se ne racconta un’altra, per un pubblico più sensibile. “Parla con lei”, dice a Marco Benigno… “Ma vai a letto con lui” viene voglia di urlare a Marco stesso. Sì perché, lettura personalissima del prodotto, Almodóvar racconta al pubblico delle famiglie della storia d’amore che unisce Marco a Lydia e Benigno ad Alicia, ovvero i due uomini coscienti alle due donne incoscienti (perché in coma… o per altri motivi?), ma, sotto sotto, sta raccontando la travolgente passione che unisce Marco a Benigno e questi a Marco.

Per narrare la storia “parallela”, Almodóvar adotta alcuni espedienti letterari e cinematografici. Vediamoli nel dettaglio:
- L’inversione dei ruoli: ben tre dei quattro componenti le due coppie hanno caratteristiche salienti che li fa appartenere più alla sfera sessuale dell’altro sesso, che a quello a cui appartengono per “natura”. Benigno, infatti, è sì un infermiere, ma ha anche studiato (per corrispondenza) da estetista e parrucchiere (per non dire che, anche sul posto di lavoro, è “chiacchierato”); Lydia è un torero (lavoro da macho) e Marco piange quando si commuove e, per amore, è disposto a seguire la propria donna da un’arena all’altra, presumibilmente a scapito della propria carriera (proprio come farebbe una donna innamorata). Alicia, invece, è solo un nome, ma rivelatore… Si aggiunga al trio di cui si è detto, la coppia del film muto (L’amante menguante = L’amante che rimpicciolisce) inserito nel film: è la donna ad essere uno scienziato e l’uomo la cavia pronta a bere la pozione per amore di lei e a rimpicciolire (quando, invece, in una coppia tradizionale, a “rimpicciolire”, ovvero a rinunciare alle proprie esigenze, è sempre la donna). Insomma, Almodóvar, a “chi ha orecchie per intendere”, dà elementi in abbondanza per ricostruire il puzzle in modo “giusto”.
- Le due sequenze clou sono agite dagli attori di sesso maschile, ma iconograficamente, appartengono storicamente alle coppie eterosessuali: la prima è la sequenza nella quale Marco, dopo che Benigno si è lasciato andare ad una confidenza che riguarda Alicia, intima a quest’ultimo di salire in macchina. Marco è il maschio dominante che ordina qualcosa alla sua preda che, qui, non è la mogliettina, ma il maschio dominato. Nell’altra sequenza, invece, Almodóvar ripropone un cliché abusato, ribaltandolo e restituendogli, così, una grande carica di commozione: Marco si reca in prigione per far visita a Benigno e, per salutarlo, fa combaciare la propria mano con quella dell’amico. Inutile sottolineare, che tale gesto è consono ad una coppia costituita da una lei e un lui. Ecco che il cerchio si chiude: Marco e Benigno sono una coppia e, il maschio Marco, non avrebbe alcun problema (è lui stesso a dichiararlo) a farsi considerare, dai dirigenti del carcere, come il compagno di Benigno.
- Che dire, poi, del fatto che Marco, che non è mai riuscito a parlare a Lydia in coma, riesce a parlare a Benigno morto?!
- E, in ultimo, il finale del film: “Marco e Alicia” recita la didascalia. Alicia chi? Quella del “paese delle meraviglie”?… A questo punto, è lecito pensare che attraverso un finale dall’aspetto rassicurante (quello di un maschio che torna alla femmina), Almodóvar, in realtà, allude al fatto che Alicia altro non è che uno specchio nel quale Marco possa vedere riflessa l’immagine di Benigno… Finalmente, Marco va a letto con lui.

In «Caro Pier News #2», 9 giugno 2002.

Fermati tanto così

Sun, 11 Jan 2009 19:53:00 GMT

Nel 1993, presso le edizioni di Stampa Alternativa, usciva un libretto dal titolo Non si può mica fare il bagno con queste troie di onde. A scriverlo era stato un giovane obiettore di coscienza da poco congedatosi, il quale aveva fatto tesoro della propria esperienza e l’aveva raccontata in quel libretto. Ora quell’ex obiettore è diventato grande e, tra l’altro, è entrato nella rosa dei giovani scrittori italiani di maggior talento. Ma, evidentemente, il suo anno di servizio civile lo deve aver segnato tanto profondamente da imporgli, come urgenza, il tornare con la memoria a quel periodo e raccontarlo di nuovo nel suo ultimo romanzo: Fermati tanto così edito da Baldini & Castoldi. Non che Matteo B. Bianchi (questo è il nome dell’ex obiettore e, ora, scrittore) si sia limitato ad una revisione del suo primo racconto edito da Stampa Alternativa (e che, tra l’altro, era andato esaurito in un solo mese); no: egli ha riscritto quel testo e ne ha fatto un romanzo, un romanzo di rara intensità, un vero e proprio piccolo (non supera le 125 pagine) capolavoro (o se si preferisce, gioiellino).

Nel romanzo si racconta la storia di Matteo alle prese con un gruppo di piccoli psicotici che vive in un istituto. Il suo compito di obiettore sarebbe quello di seguire Guido, il più grande tra i piccoli, un ragazzo in piena adolescenza (con tutto quello che questo comporta); ma, come sempre succede in questi casi, il compito si allarga e all’obiettore viene chiesto di fare praticamente di tutto. Al di là della singola esperienza, chiunque abbia svolto il proprio servizio civile in Italia avrà modo di potersi riconoscere nelle vicende narrate: nell’essere mandati praticamente allo sbaraglio, senza un minimo di formazione (o, quando c’è, ridotta in senso letterale proprio al minimo necessario) o di supporto (quante volte l’obiettore sente la necessità di rivolgersi ad un tutor che possa aiutarlo a superare certi momenti, ma non trova nessuno?). E non è un caso che la prima frase del libro sia proprio “No che non ero pronto” che, oltre al fatto di non essere pronti a lasciare le proprie abitudini per assumere quelle della comunità di piccoli psicotici, rimanda, anche e soprattutto, al fatto di non essere pronti ad affrontare le emergenze che il servizio civile comporta. E, si badi, Matteo è uno studente di psicologia e, quindi, in linea teorica, avrebbe dovuto essere “pronto”… Ma un conto è ciò che si studia sui libri e un conto è la realtà. Quindi, a Matteo si sarebbe dovuto almeno spiegare qualcosa, ma, specifica l’autore, “Non so come avvengano le cose in altri istituti nei confronti degli obiettori appena arrivati, ma a Valle Azzurra l’usanza doveva essere di confidare nelle capacità d’iniziativa e di adattamento del nuovo venuto. In altre parole, mi sono sentito, fin da subito, un po’ abbandonato a me stesso". Già, abbandonati a se stessi…

Ora è bene specificare che Fermati tanto così non è quello che si definisce un “romanzo di denuncia”. La denuncia emerge da sola e non solo nei confronti di come viene gestito il servizio civile da molti responsabili di servizio, ma anche nei confronti della società tutta: sì, perché al centro del romanzo ci sono i piccoli psicotici, diventati tali per le torture pazzesche cui sono stati sottoposti dai loro genitori e che vengono, per giunta, emarginati dalla società “civile” che li sente diversi e li colpevolizza per tale diversità (come se la diversità in genere fosse una colpa, e/o la loro specifica diversità una scelta consapevole!).
Un romanzo, dunque, Fermati tanto così di Matteo B. Bianchi, che mi sento di consigliare a chiunque (anche per le inattese – per la drammaticità del tema – scene ironiche e umoristiche che contiene), ma soprattutto ai responsabili di servizio e agli obiettori in servizio civile.

In «Fogli di collegamento degli obiettori», n. 177, luglio-agosto 2002.

Se l’amore non ha sesso

Sun, 11 Jan 2009 09:01:00 GMT

Un posto al di là del tempo e dello spazio quello nel quale ha deciso di vivere in solitudine lo scrittore Premio Nobel Abel Znorko: un’isola del mare del Nord dove il giorno e la notte si alternano di sei mesi in sei mesi. Dunque, un posto dove il tempo non ragiona in modo usuale. Neppure lo spazio, però, è inteso in modo quotidiano: è un’isola deserta e gli intrusi non sono bene accetti, anzi, si spara loro addosso, se tentano di avvicinarsi alla casa. Una casa, quella dello scrittore, nella quale la luce entra da un’enorme vetrata-parete e gli spazi sono divisi dalle librerie cariche di libri. Un salotto, però, quello dello scrittore, dove ci sono troppi posti a sedere, dato che a viverla è un uomo solo! Un uomo che ha scelto la solitudine da ormai 15 anni, ma che, di tanto in tanto, l’allevia grazie alle visite che gli fanno compiacenti signorine. Ad interrompere questo ciclo consolidato ci pensa Erik Larsen, sedicente giornalista, che approda sull’isola in un giorno speciale, quello nel quale la luce del giorno cede il palcoscenico della natura alle tenebre della notte. La verità dell’alternarsi del giorno e della notte porta con sé, quindi, le verità del signor Larsen, un uomo all’apparenza comune e attaccato alla vita, quanto lo scrittore sembra esserne lontano. Il signor Larsen è venuto per porgere allo scrittore poche e chiare domande: chi è la donna amata dallo scrittore con la quale ha intrattenuto una corrispondenza durata 15 anni e, soprattutto, perché lo scrittore ha deciso di staccarsi dalla donna amata e vivere in solitudine. Domande semplici, da giornalista (ovvero, come dice lo scrittore da “minorato della fantasia”), ma che hanno il pregio-difetto di andare al cuore del problema e di scatenare una serie di reazioni a catena che portano con sé i classici colpi di scena, tanto cari al teatro.
Le Variazioni enigmatiche di Eric-Emmanuel Schmitt sono un testo che parte da un assunto datato per giungere ad una conclusione di estrema modernità: lo scrittore, interpretato con sapiente calibratura di toni da Glauco Mauri, infatti, lascia il mondo perché, dice, o si vive o si scrive (teoria pirandelliana e superata dall’odierna tendenza che vuole i romanzieri immersi fino al collo nella vita proprio per scriverne), ma, dopo lo scontro con il signor Larsen (un altrettanto bravo Roberto Sturno), giungerà ad accettare la verità che questi gli porge e, cioè, che l’amore non ha sesso.
Mauri (anche regista) e Sturno hanno interpretato egregiamente il gioco delle parti alternandosi nel ruolo del carnefice e della vittima: prima Mauri è stato uno scrittore sarcastico e scostante, tormentatore del giornalista di Sturno remissivo e spaesato. A metà della pièce, però, i ruoli si invertono e, allora, è il giornalista a diventare l’implacabile persecutore di uno scrittore di Mauri improvvisamente invecchiato e docile.
Lunghi e festosi applausi finali. Spettacolo da vedere.

In «Il Nuovo Giornale di Bergamo», 13 gennaio 2002.

Trionfano i figli di Miller

Sun, 11 Jan 2009 08:44:00 GMT

Un temporale accoglie gli spettatori di Erano tutti miei figli di Arthur Miller per la regia di Cesare Lievi, un temporale notturno che si abbatte su uno strano giardino: un giardino che, in realtà, invece di essere fatto di piante e fiori, è evocato solo verbalmente dagli attori, essendo la scena, per tutto il primo atto, fatta da niente altro che da un enorme telo mimetico che copre qualcosa. Ciò che il telo nasconde, verrà rivelato agli spettatori nel corso del secondo e del terzo atto: si tratta di un cimitero di aerei, di carcasse di velivoli della Seconda Guerra Mondiale. Pezzi d’ala, eliche, carlinghe sventrate sulle quali gli attori camminano e siedono come se nulla fosse, proprio perché, per la loro finzione di personaggi, quello non è un cimitero, ma il giardino di casa Keller. Una soluzione scenografica, quella di Maurizio Balò che, lungi dall’essere stravagante, ha un suo perché molto chiaro; una ragion d’essere che è il segno forte dello spettacolo di Lievi: i personaggi del testo di Miller fingono, si sforzano, di essere e apparire come delle persone normali, persone in grado di fare vita di società, ma, in realtà, sono persone che la vita – con la guerra, con i lutti – ha segnato profondamente. È come se il regista volesse dire che il passato dei Keller si è materializzato nel giardino della loro casa sotto forma di aerei in rovina. Il senso del passato fattosi presenza scenica è già nel testo di Miller che aveva previsto che, durante il temporale di cui si è detto, l’albero al centro del giardino si spezzasse. L’albero era stato piantato per ricordare il figlio dei Keller “disperso” in guerra, dunque era il passato ben presente nel giardino. Nella messa in scena di Lievi dell’albero non v’è traccia, perché il passato su cui non si può riposare (e non è un caso che la Madre soffra di insonnia) è quello che, a causa del Padre, ha rovinato tutta la famiglia. Il Padre, infatti, ha venduto all’aeronautica militare dei cilindri difettosi che hanno causato il precipitare di una ventina di velivoli e la conseguente morte dei piloti (i “miei figli” del titolo). È su quel senso di colpa – invano relegato al livello dell’inconscio – è su quegli aerei precipitati che materialmente camminano gli attori.
Lo spettacolo di Lievi lascia, sì, alla scenografia il compito di “segno forte”, ma non sarebbe quello spettacolo perfetto che è se non ci fossero gli attori che ci sono: una magnifica Giulia Lazzarini (nel ruolo della Madre) in grado di passare dai toni della donna che la perdita di un figlio ha reso instabile di mente, ai toni della perfetta padrona di casa in grado di destreggiarsi in mezzo a situazioni spinose; un ottimo Umberto Orsini (il Padre) che ha dato al suo personaggio gesti trattenuti e grande compostezza, tipici di un uomo che sta sulla difensiva pur non volendo darlo a vedere; un bravissimo Roberto Valerio nella parte non facile di George in grado di esprimere l’ira trattenuta e la gioia di aver ritrovato degli affetti (subito ripersi) e i bravi Luca Lazzareschi (Chris) e Ester Galazzi (Ann) assolutamente a proprio agio nei loro personaggi.
Uno spettacolo (da non perdere) che aggiunge un tassello importante alla tradizione del teatro italiano. Lunghi applausi finali.

In «Il Nuovo Giornale di Bergamo», 19 dicembre 2002.

Il flusso della memoria

Fri, 02 Jan 2009 17:58:00 GMT

Al Teatro Grassi di via Rovello ha esordito l'ultima fatica del Maestro Luca Ronconi: l'adattamento teatrale del romanzo Quel che sapeva Maisie di Henry James, nella traduzione di Ugo Tessitore edita da Marsilio. Diciamo subito - a scanso d'equivoci - che si tratta di uno spettacolo da vedere, la cui cifra stilistica è prepotente per semplicità, anche se - in definitiva - porta in sé i caratteri del non finito e qualche sbavatura di troppo. Ma, procediamo per ordine. La protagonista del romanzo è Maisie una bambina che vive il trauma della separazione dei genitori i quali, sulle prime, fanno di tutto per "accaparrarsela" per fare un dispetto all'ex-coniuge e, poi, con lo stesso vigore, faranno di tutto per "sbarazzarsene", ugualmente per dispiacere l'ex-coniuge. Come se tale situazione non fosse già di per sé gravosa per una piccola creatura che cresce, James (che pare si rifaccia ad un caso realmente accaduto) la complica facendo scendere nell'agone anche i nuovi coniugi dei genitori di Maisie. Tutti usano la bambina come un mezzo per raggiungere uno scopo (quasi mai edificante), infliggendo a Maisie che "rimbalza da l'uno all'altro come un pallina da tennis", ferite indelebili.
Nel ruolo della piccola Maisie c'era una magnifica Mariangela Melato che ha dato vita al personaggio in modo assolutamente credibile e lontano da ogni cliché: non ha alterato la voce o impastato la bocca imitando la parlata infantile, non è ricorsa ad improbabili truccature, né ha bamboleggiato. È stata Maisie come la si sarebbe potuta vedere da adulta (nel fisico), protagonista di uno psicodramma. Ad aiutare, infatti, Maisie a "rivivere" i traumi infantili c'era un meccanismo scenico semplice ma efficace: un sipario (che divideva in due il palcoscenico) che si apriva su dei veri e propri quadretti familiari nei quali Maisie entrava per subire le angherie psicologiche che gli adulti del momento le infliggevano. Come descrivere lo sguardo pieno di smarrimento della Melato-Maisie? Come i suoi gesti di bimba abbandonata che tenta di conquistare l'amore di qualcuno o, addirittura, quello del bellissimo sir Claude? La Melato, nelle quattro ore abbondanti di spettacolo (durante le quali resta sempre in scena), ha dimostrato, una volta di più, di essere un'attrice grande. Anche il suo stare confinata all'angolo del palcoscenico era gesto carico di conseguenze.
Accanto alla Melato c'erano tre altre grandi attrici: Annamaria Guarnieri, nel ruolo dell'istitutrice Wix, ha dato vita ad una povera, ma energica, vecchia signora che, fatalmente, si innamora di sir Claude. La sua è stata una recitazione che passava da atteggiamenti imperiosi e dignitosi ad altri di supplica. Galatea Ranzi era invece la matrigna di Maisie (ed ex istitutrice) che finisce per innamorarsi (ricambiata?) di sir Claude. Di lei diremo che è stata pressocché perfetta. Assolutamente all'altezza, infine, è stata Giorgia Senesi nel ruolo di Ida, la madre di Maisie, che ha espresso le contraddizioni del personaggio in modo assolutamente ironico: alle parole erano sempre associati gesti che le contraddicevano. Poi c'era sir Claude ovvero Gabriel Garko. Sarebbe fin troppo facile, visto la discutibile prova che ha dato di sé, fare della facile ironia e dire che "vestiva bene i panni del bellissimo sir Claude" come un perfetto manichino. In effetti, se si fosse limitato a percorrere il palcoscenico in assoluto silenzio, sarebbe stato una presenza scenica di assoluto fascino... Ad ogni buon conto è giusto lasciargli almeno un'altra possibilità: giovedì era pur sempre il suo esordio assoluto (e da protagonista), sul palcoscenico prestigioso del Piccolo Teatro e accanto a dei mostri sacri delle scene. Di Ronconi basterà dire che è Ronconi e che ha dato vita ad uno spettacolo d'attori la cui unica cifra forte era, si ripete, l'uso del sipario-della-memoria. Splendidi gli abiti (autentici) indossati dagli attori. Essenziali le scene di Margherita Palli. Suggestive le luci di Gerardo Modica e le musiche di Paolo Terni.

In «Il Nuovo Giornale di Bergamo», 5 gennaio 2002.

L'arte del videogioco

Fri, 02 Jan 2009 17:35:00 GMT

Strepitoso. Tale è l'unico aggettivo che viene alla mente per definire Lolita di Nabokov per la regia di Luca Ronconi. Ronconi, uno dei registi, giustamente, più osannati dalla critica europea, se non mondiale, con il suo ultimo lavoro ha dato nuova linfa al teatro, creando uno spettacolo davvero multimediale, nel quale la multimedialità non è una sorta di "convitato di pietra" alla tavola del cavaliere, ma una vera necessità, parte integrante dello spettacolo. Se non si avesse paura di essere completamente fraintesi, si oserebbe affermare che Ronconi, con Lolita, ha creato un enorme videogioco, uno di quelli dell'ultima generazione, nei quali il giocatore interagisce con il programma pre-impostato e crea e vive una storia nuova. Ronconi ha, infatti, creato (con la scenografa Margherita Palli) una meravigliosa macchina scenica assolutamente duttile alle esigenze del regista-narratore: gli oggetti (come sempre negli spettacoli ronconiani) entrano in scena solo quando sono necessari, per uscirne quando non servono più. Ma, ripeto, se ciò è tipico di Ronconi, con Lolita, ci pare, egli sia andato più oltre: ha visualizzato su maxischermi i pensieri dei personaggi, gli esterni paesaggistici, brani di lettere, sentimenti. Inoltre, tali schermi-sipari, si aprono alla bisogna e "materializzano" in scena scale, pontili o altro, poco prima soltanto visualizzati. In poche parole, Ronconi, in Lolita, passa, in pochi istanti, dalla bidimensionalità delle immagini alla tridimensionalità degli oggetti e da questa, di nuovo, alla bidimensionalità, come fosse in una realtà virtuale (o, meglio, come se passasse, di volta in volta, da un racconto di tipo cinematografico ad uno di tipo teatrale). Non è un caso, allora, che a lato del palcoscenico, fin dall'inizio, è presente un "tavolo" di regia: il "creatore" dello spettacolo è sempre "in scena", perché è lui che "fa" il gioco. Neppure è un caso, allora, che Ronconi scelga di essere fisicamente presente in palcoscenico e narri al pubblico come abbia deciso di tagliare delle parti di spettacolo.
Questo Lolita dura molto, 4 ore, ma è uno spettacolo che prende, che lascia giocare anche il pubblico. Forse risulta un po' faticoso sul finale, ma non è né colpa di Ronconi, né dei suoi attori: è la vicenda narrata da Nabokov che irrimediabilmente, cresciuta Lolita, perde di interesse. Ma lo spettacolo non sarebbe quello che è se, in scena, oltre al meccanismo, non ci fossero anche gli attori. Il protagonista maschile era un Franco Branciaroli in piena forma, maturo e attento ai tempi (sbagliarne uno pregiudicherebbe l'intero meccanismo scenico). Al suo fianco, nel ruolo di Lolita, c'è Elif Mangold che recita (benino) il proprio ruolo in inglese. Le di lei battute vengono, in diretta, doppiate da Galatea Ranzi che la sostituirà nel finale, impersonando Lolita adulta ed incinta. Molto probabilmente, Ronconi ha voluto una Lolita bambina che recitasse in inglese, perché in tal modo fosse più chiaro il divario linguistico (il gap generazionale) che esiste tra il mondo adulto e quello semi-infantile di Lolita. La Ranzi, infatti, "traduce" solo le battute più "adulte" (perché cariche di sottintesi erotici) pronunciate da Lolita, lasciando, appunto, in inglese quelle attinenti alla sfera infantile della bambina. Nel ruolo di Charlotte, la madre di Lolita, un'irresistibile Laura Marinoni; in quello di Quilty un altrettanto trascinante Massimo Popolizio; il narratore Nabokov era Giovanni Crippa e lo psicologo Antonio Zanoletti (un po' troppo caricaturale).
Uno spettacolo da non perdere.
Al Teatro Giorgio Strehler di Milano fino al 4 marzo.

In «Il Nuovo Giornale di Bergamo», 26 gennaio 2001.

Il gioco del doppio

Fri, 02 Jan 2009 16:34:00 GMT

La storia dei due gemelli scritta da Carlo Goldoni è nota e narra delle vicende d'amor litigarello che nascono e si sviluppano a causa della contemporanea presenza in Verona dei due gemelli Bisognosi: Zanetto, bergamasco e sciocco, e Tonino, veneziano e savio. Il tema dei gemelli causa di qui pro quo ha radici antiche ben piantate nel teatro della classicità greco-latina, ma la storia, gestita da Goldoni, prende una piega insolita sul finale: non è, infatti, quella di Goldoni, commedia spensierata, ma è quasi dramma ottocentesco con un happy end che lascia l'amaro in bocca. Si ricorderà, infatti, come il razionalista Goldoni - che aveva cambiato il ruolo delle Maschere nel suo teatro, sgrossandole e avvicinandole all'Uomo, al Personaggio - avesse risolto di chiudere la sua commedia, evitando di fare incontrare i due gemelli, ma eliminandone fisicamente uno dalla scena, facendolo morire avvelenato. I due gemelli veneziani, in tal modo, terminano con ben due morti sul palcoscenico (Zanetto ed il di lui assassino) che è, appunto, un fatto ben strano per una commedia settecentesca. Luca Ronconi, regista della splendida edizione presentata martedì al Teatro Grassi di Milano, ha accentuato l'anomalia di cui si è detto ed ha voluto un impianto scenico (frutto della creatività di Margherita Palli) che richiama, appunto, nella pesantezza del mobilio, l'Ottocento ed i suoi drammi. Inoltre, il clima di disagio è acuito da Ronconi con un uso metaforico dello specchio (in realtà, degli specchi, essendone la scena piena): lo specchio, nell'allestimento ronconiano, simboleggia il "doppio", il "perturbante", la negatività della finzione (anche di quella teatrale). Il doppio di se stessi non può non essere qualcosa di, a dir poco, fastidioso, di straniante. Una regia, quella di Ronconi che, ad ogni buon conto, non va, sia ben chiaro, a scapito del comico: tutto il primo tempo è assolutamente trascinante. Ronconi, però, tiene ben presente il finale e non lo elude, proponendolo frettolosamente, ma lo pre-annuncia fin dall'inizio. Quasi che Ronconi, nel realizzare I due gemelli veneziani, avesse tenuto conto del Don Giovanni di Mozart (cui le musiche di Paolo Terni, in qualche modo, rimandano). A interpretare il "doppio" c'era Massimo Popolizio del quale basti dire che è stato strepitosamente bravo, capace (lui grande attore tragico) di insospettati ottimi tempi comici. Essendo, questa regia di Ronconi, tutta "di attori", è d'obbligo citare quelli di loro che hanno dato ottima prova di sé: Laura Marinoni (una Beatrice tutta anelito al suicidio, ma ben risoluta ad accalappiare il suo Tonino); Manuela Mandracchia (una Rosausa che, per quanto onesta, sente il richiamo dei sensi); Franca Penone (Colombina) e Giovanni Crippa (Arlecchino) che hanno dato alle "maschere" un forte accento dionisiaco e sensuale, Luciano Roman (un Lelio a caccia d'amore ed eroismo) e Riccardo Bini (un Pancrazio che ricorda Tartufo). Ma sopra tutti, lo si ripete, Popolizio a metà tra la tenerezza bambinesca (Zanetto) e la scaltrezza della maturità (Tonino).

In «Il Nuovo Giornale di Bergamo», 15 marzo 2001.

Si je t'ame, prends garde à toi!

Sat, 20 Dec 2008 09:57:00 GMT

«Si je t'ame, prends garde à toi!» («Se ti amo, stai in guardia») avverte Carmen nel Primo Atto dell'opera omonima di Georges Bizet e il regista Ferdinando Bruni sembra averne tenuto conto seriamente: il clima dello spettacolo è teso e sensuale fin dall'apertura di sipario. Un clima che rimanda in qualche modo a Un tram che si chiama Desiderio di Tennessee Williams. Un rimando favorito dai costumi (prima metà del Novecento), dalle scene e dal taglio delle luci. Un ambiente poco spagnoleggiante che aiuta lo spettatore a sentire la vicenda al centro della Carmen più vicina a sé, più pericolosamente prossima. La storia di una donna bella, sensuale e capricciosa che ammalia di sé gli uomini e ne porta uno (il classico bravo ragazzo) alla rovina. La Carmen per la regia di Bruni diventa, in qualche modo, universale (oltre che attuale) e non resta confinata tra gli angusti ambiti di una guarnigione di soldati e di un gruppo di contrabbandieri gitani e delle loro donne. In altre parole, la regia di Bruni trasforma la Carmen in una sorta di archetipo.
Si è detto della sensualità. Il palcoscenico della Carmen di Bruni ne trasuda. Uomini in canottiera; donne provocanti che non disdegnano mostrare le cosce o la generosa scollatura. Fisicità esibita, grazie alla prestanza degli interpreti. Cantanti, coro e danzatori mostrano la loro giovanile voglia di vivere; il loro desiderio del corpo altrui.
Uno spettacolo bello e coinvolgente non solo per l'ottima regia di Bruni (che ha, tra l'altro, ha saputo far muovere il coro in modo congruo, dando la sensazione allo spettatore che ogni corista fosse un personaggio degno di nota e non fosse “solo un corista”, come, purtroppo, troppo spesso si avverte negli spettacoli d'opera).
Davvero degna di nota l'esibizione canora di tutto il cast. Ottime le prove di Claudio Sgura nel ruolo del torero Escamillo e di Davinia Rodriguez (in quello di Micaela). Molto buone le esibizioni dei due protagonisti (belli, oltre che bravi): José Balestrini (Don José) e Nora Odette Sourouzian (Carmen).
Trascinante la direzione del Maestro Riccardo Frizza.
Spettacolo da vedere.

Vola basso 'Il Gabbiano' di Bernardi

Tue, 25 Nov 2008 23:19:00 GMT

Non spicca il volo Il Gabbiano di Anton Cechov per la regia di Marco Bernardi. Non spicca il volo, ma sbatte le ali mestamente, mantenendosi, tutto sommato, su un onesto livello di mestiere teatrale. Non ci sono slanci poetici, né picchi di alta recitazione, bensì un artigianato da vecchia sartoria (e non ci si riferisce ai bellissimi costumi firmati da Roberto Banci, il segno più convincente dello spettacolo, assieme alla traduzione di Fausto Malcovati, attenta e attuale).
La regia ha puntato su un clima dal ritmo regolare, ogni tanto interrotto da qualche riverbero di litigio. Un ritmo da casa di riposo in cui ogni tanto l'esplodere di un tuono suona come un ricordo di gioventù. Un ritmo forse non adatto a un testo in cui forti sono le passioni contrastanti, i livori, le invidie e i rimorsi. In cui la ferocia della vita segna a lutto e porta al suicidio. In cui nessuno può tranquillamente dirsi soddisfatto di sé.

Ciò detto, non si può certo dire male degli interpreti che, anzi, hanno assecondato le indicazioni del regista e hanno saputo amalgamarsi in un tutt'uno di buon livello. Da segnalare la convinta e convincente interpretazione di Iolanda Piazza nel ruolo di Masa e le buone prove di Massimo Nicolini (nel ruolo di Kostja) e di Gaia Insenga (in quello di Nina).
Patrizia Milani (Irina) pare avere pienamente convinto gli spettatori del Teatro Donizetti soprattutto nei momenti in cui il suo personaggio diventa aggressivo e si sfoga sia sul figlio, sia sull'amante. Forse un po' poco per un ruolo da protagonista...
Al calar del sipario il pubblico ha salutato gli interpreti con generosità.